Die Schöne und das Biest als Verwandlungslabor: Zwischen Märchen, Körper und Macht
Einleitung
Die Neuinterpretation von Die Schöne und das Biest aus dem Jahr 2014 lässt sich weniger als bloße Nacherzählung begreifen denn als künstlerisches Versuchslabor, in dem ein vertrautes Motiv - die Begegnung mit dem Anderen - in zeitgenössische Fragen der Körperlichkeit und sozialen Differenz überführt wird. Dass ein französisch-deutsches Team diese Adaption realisiert, ist Teil eines langen europäischen Diskurses über das Märchen als kulturelles Archiv und als Projektionsfläche für Gegenwartsfragen. Der Film tritt somit in eine Reihe von Arbeiten, die das Märchen nicht romantisch konservieren, sondern die Fabel auf ihre strukturellen Spannungen hin aufreißen.
Relevant erscheint die Produktion auch, weil sie in einem Kinojahr entstand, das von der Wiederbesinnung auf klassische Stoffe und von einer ausgeprägten Aufmerksamkeit für sinnliche Bildwelten geprägt war. Anders als kommerzielle Varianten, die das Motiv zur großen Pop-Inszenierung glätten, sucht diese Fassung nach einer Dichotomie zwischen Haut und Raum, Intimität und Exposition. Die filmische Sprache richtet den Blick nicht nur auf die narrative Moral des Märchens, sondern auf die Mechanik der Verwandlung selbst.
In der Einordnung in eine Regisseurentradition zeigt der Film eher ein Kolorit als eine Signatur: Hier dominiert die auteurhafte Geste, die mit sparsamen Mitteln Atmosphäre erzeugt und Performances als Motor des Erzählens versteht. Die Regie tritt zurück zugunsten einer orchestrierten Choreographie aus Licht, Material und Körpern, die der Erzählung einen zeitgenössischen, fast wissenschaftlichen Zugriff verleiht - das Märchen wird zur Diagnosegesellschaft.
Kurzüberblick zur Produktion
Die Schöne und das Biest ist eine Franco-deutsche Produktion, die auf die gemeinsame Tradition beider Länder in der Adaption literarischer Stoffe zurückgreift. Die Finanzierung, typischerweise gestützt durch nationale Förderinstitutionen und Koproduktionspartner, ermöglicht eine ästhetische Herangehensweise, die zwischen arthouse und genreaffinem Fantasy-Kino oszilliert. Sichtbar ist ein Produktionsansatz, der praktische Sets und handwerkliche Gestaltung dem übermäßigen Einsatz digitaler Effekte vorzieht; dies wirkt der Inszenierung zugute, weil Materialität und Textur der Objekte zu Trägern narrativer Bedeutung werden.
Ohne die Genese des Films auf rein industrielle Parameter zu reduzieren, lässt sich festhalten, dass die Produktion bewusst mit einem Ensemble internationaler Namen und ausgewiesener Charakterdarsteller besetzt wurde. Die Koexistenz von französischen Stars und deutschsprachigen Darstellern unterstreicht den grenzüberschreitenden Anspruch des Projekts. Innerhalb des zeitgenössischen Werkes von Adaptionen klassischer Stoffe markiert dieser Film eine Tendenz zu intimeren, psychologisch orientierten Lesarten, die das Märchen als Bühne sozialer Spannungen nutzt.
Die Hauptdarsteller & Hauptdarstellerinnen
Vincent Cassel, in der Rolle des titelgebenden Biests angelegt, bringt jene physische Präsenz und das raue, oft animalische Spiel mit, das seine Karriere prägt. Bekannt geworden durch frühe, kompromisslose Arbeiten, ist er hier weniger Verführer als katalytische Kraft - ein Körper, an dem sich gesellschaftliche Ängste spiegeln. Léa Seydoux stellt die Schöne dar; ihre bisherige Arbeit, zuletzt hochaufmerksam verfolgt durch Festivalauftritte, zeichnet sie als Darstellerin, die Verletzlichkeit und Widerstandskraft zugleich verkörpert. Ihre Präsenz ist weniger idealisierend als beobachtend.
André Dussollier fungiert als Vertreter einer etablierten, älteren Schauspielgeneration und verleiht dem Ensemble jene erzählerische Stabilität, die dem Film hilft, Tradition und Revision in Einklang zu halten. Eduardo Noriega, mit Wurzeln im spanischen Kino, bringt die Erfahrung von Grenzfiguren und antipodischen Rollen ein. Unterstützt wird das Zentrum durch ein Ensemble jüngerer und etablierterer Spielerinnen und Spieler wie Myriam Charleins, Sara Giraudeau, Audrey Lamy, Jonathan Demurger, Nicolas Gob, Louka Meliava, Yvonne Catterfeld und Dejan Bucin - sie bilden ein soziales Gefüge, in dem jede Nebenfigur zur Spiegelung und Verdichtung des Hauptkonflikts beiträgt.
Handlung (spoilerfrei!)
Der Film verlagert die Grundkonstellation der bekannten Fabel in eine Umgebung, die gleichermaßen konkret und suggestiv bleibt: Eine Frau aus einem engen sozialen Umfeld trifft auf eine Figur, die äußerlich gebrochen und gesellschaftlich ausgeschlossen ist. Aus dieser Begegnung erwächst ein dramatischer Konflikt, der weniger von äußeren Abenteuern als von inneren Wandlungen und Machtverhältnissen getragen wird. Die zentrale Spannung liegt in der Wechselwirkung von Fürsorge und Zwang, von Neugier und Abstoßung.
Im Zentrum stehen wenige Figuren, deren Beziehungen unter einem ständigen Bild des Austauschs von Geben und Nehmen stehen. Erzählerisch operiert der Film mit Rhythmen von Nähe und Distanz: intime Innenräume und klaustrophobische Ordnungen wechseln mit größeren, fast mythologischen Landschaften. Der Ton ist dabei oft gedämpft, gelegentlich barock aufgeladen; die Atmosphäre pendelt zwischen Melancholie und latentem Bedrohlichen. Die Erzählung vermeidet plakative Sentimentalität und setzt stattdessen auf langsame, atmosphärische Verdichtung.
Zentrale Themen und Motive
Der Film fragt nach den Bedingungen von Anerkennung und den Kosten von Anpassung. Er verhandelt, wie Schönheit und Hässlichkeit sozial konstruiert werden und welche Machtverhältnisse hinter diesen Zuschreibungen stehen. Die Motive der Gefangenschaft, des Spiegels und der Verwandlung dienen als formale Mittel, um Fragen von Identität und Autonomie auszuloten. Dabei wird das Märchen als Raum sichtbar, in dem normative Ordnungen aufgefächert und ihre Brüche analysiert werden können.
Psychologisch interessiert sich der Film für die Mechanik des Sehens und Bewertens - wer darf blicken, wer wird begafft, und welche Gewalt geht vom Blick selbst aus? Sozialpolitisch lässt sich die Fabel als Kommentar zu Exklusion und Integration lesen: Die Figur des Biests ist Stellvertreterin gesellschaftlicher Außenseiter, die auf eine Anerkennung angewiesen ist, die zugleich bedrohlich erscheint. Formal verwebt die Inszenierung Motive der Körperlichkeit mit denen der Häuslichkeit; Materialität und Raum werden zu bedeutungstragenden Ebenen, auf denen Macht ausgehandelt wird.
In seiner Ambition, das Altbekannte neu zu lesen, präsentiert der Film das Märchen als Instrument, um gegenwärtige Ängste und Sehnsüchte zu beobachten. Die Schöne und das Biest wird so weniger zu einer einfachen Liebesparabel als zu einem Prüfstein für Fragen nach Subjektwerdung, Gewaltstrukturen und der Möglichkeit von Mitmenschlichkeit in einer verunsicherten Gegenwart.
Filmkritik von Sophie Charlotte Rieger
Märchenverfilmungen stehen hoch im Kurs. Mehrfach schon kehrte Schneewittchen in den vergangen Jahren auf die Leinwand zurück, demnächst erwartet uns eine Dornröschenversion aus der Perspektive der bösen Zauberin („Maleficient“) und nun bringt Regisseur Christophe Gans eine Neuauflage der Geschichte „Die Schöne und das Biest“ in die Kinos. Der Versuch in die Fußstapfen des großen Meister Jean Cocteau zu treten, der sich dem Stoff 1946 in „Es war einmal“ erfolgreich angenommen hat, scheitert jedoch kläglich.
Christophe Gans legt seine Geschichte deutlich umfassender an als bisherige Verfilmungen. Er will nicht nur von der Beziehung zwischen Belle (Léa Seydoux) und dem Biest (Vincent Cassel) erzählen, sondern auch von der Vorgeschichte, die die beiden zusammen bringt. Die Folge dieses Ansatzes ist eine Fülle eindimensionaler Randcharaktere, ein viel zu langer erster Akt und Rückblenden, die den Fokus des Zuschauers zu stark von der Haupthandlung ablenken. Vermutlich um den Märchenaspekt des Konzepts betonen, entwirft Christophe Gans zudem eine Rahmenhandlung, in der eine unbekannte Mutter, die jedoch die meisten in wenigen Sekunden erkennen werden, ihren Kindern aus einem Märchenbuch vorliest. Was folgt ist jedoch für diese Zielgruppe vollkommen ungeeignet.
„Die Schöne und das Biest“ beginnt harmlos und überraschend naturalistisch. Ein wohlhabender Händler verliert sein Vermögen und muss mit seinen sechs Kindern, darunter auch die junge Frohnatur Belle, aufs Land ziehen. Eines Nachts verirrt er sich in das Schloss des Biestes, wo ihn ein reiches Mahl und eben jene Schätze erwarten, die sich seine verwöhnten älteren Töchter von Herzen wünschen. Doch mit dem Pflücken einer Rose für die bescheidene Belle droht er die Gastfreundschaft des Hausherrn überzustrapazieren. Unter dem Motto „Ein Leben für eine Rose“ soll sich der Händler eigentlich selbst dem Biest opfern, doch seine treue Tochter Belle kommt ihm zuvor.
Das Biest selbst ist kaum gruseliger als in der Disney-Verfilmung. Um dem Publikum dennoch die Haare zu Berge stehen zu lassen, greift Christophe Gans in die simpelste aller Trickkisten, verdunkelt seine Szenen bis zur Unkenntlichkeit und unterlegt sie mit laut dröhnendem Sound. Die Stimmen der schlecht gelaunten Steinriesen, die sich im finalen Kampf einmischen, klingen schließlich wie eine Mischung aus T-Rex und den außerirdischen Invasoren in Spielbergs „Krieg der Welten“. Damit erschrecken sie vielleicht kleine Kinder, lassen erwachsene Zuschauer aber wohl eher skeptisch die Stirn runzeln.
Überhaupt passt in diesem Film nichts zusammen. Die ersten Szenen wirken natürlich, das Schauspiel und die Charaktere sind im Gegensatz dazu jedoch von Anfang in ihrer Überzeichnung klar dem Märchengenre zuzuordnen. Kaum ist die Familie aufs Land gezogen, wandert der Film deutlich sichtbar ins Studio. Die vor dem Green Screen entstandenen Landschaften und Schloss-Interieurs sind auf unangenehme Weise als solche zu erkennen. Weder erschaffen sie eine glaubwürdige Illusion noch eine bewusst gesteuerte Künstlichkeit, die den Märchencharakter des Konzepts unterstreichen könnte. Den Höhepunkt überflüssiger Spezialeffekte stellen die hundeähnlichen Wesen da, die das Schloss des Biestes bevölkern. Mit ihren großen Augen und den überdimensional großen Köpfen könnten sie ohne weiteres gerade einem Disney-Film entstiegen sein und stehen damit im eklatanten Widerspruch zum trotz aller Magie realistisch gehaltenen Setting. Zudem bleibt ihre Funktion auf geradezu lächerliche Weise bis zum Ende vollkommen unklar.
Auch wenn sich Christophe Gans mit oftmals gelungenen Bildkompositionen große Mühe gibt, seine Geschichte mit Magie zu füllen, kann „Die Schöne und das Biest“ das Publikum nicht verzaubern. Statt den Zuschauer in kindliche Freude zu versetzen, erzeugen Zauberstaub, Jungbrunnen und Naturgötter unfreiwillige Komik. Auch scheitert Christophe Gans auf fatale Art und Weise an der amourösen Komponente des Konzepts. Was er an Romantik aufbringen kann, lässt er in seiner der Gänze in die häppchenweise eingeflochtene Vorgeschichte fließen, während die Anziehung zwischen Belle und dem Biest ausschließlich behauptet statt aus den Charakteren und ihrer Situation entwickelt wird. Wer den Verlauf der Geschichte nicht ohnehin schon kennt, dürfte wahrlich Schwierigkeiten haben, die Beziehungen zwischen den beiden Hauptfiguren nachzuvollziehen. Infolgedessen wirkt die Dramatik des Finales aufgesetzt, das Happy End wie ein durch Übertreibung ironisiertes Melodrama der 50er Jahre, das keine Herzen zu erwärmen im Stande ist und beim Zuschauer nur Ratlosigkeit zurücklässt.
In dem Versuch alles auf einmal zu sein, ist „Die Schöne und das Biest“ am Ende gar nichts. Mit zu wenig Herz und zu viel CGI kann dieses Werk von Christophe Gans’ weder als Märchenfilm, noch als Lovestory oder Drama überzeugen und ist vornehmlich den Fans von Léa Seydoux zu empfehlen, die sich daran erfreuen können, die wunderschöne Französin in immer neuen, prächtigen Kleidern zu bestaunen.